Cartelera / Ciudad Juárez: Presentan el libro «Coyote Viejo Coyote»

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Libros / Ciudad Juárez: Presentan «Coyote Viejo Coyote» y donan 750 ejemplares a escuelas

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Portada del libro. (Foto: RanchoNEWS)

C iudad Juárez, Chihuahua. 14 de diciembre de 2009. (RanchoNEWS).- La empresa cultural Rancho Las Voces entregará 749 ejemplares de la primera edición del libro Coyote Viejo Coyote del escritor Rubén Moreno Valenzuela a las escuelas de pre primaria, primaria y secundaria de esta ciudad y del Valle de Juárez, en una ceremonia que se llevará a cabo mañana a las 18:00 en el teatro experimental Octavio Trías del Centro Cultural Paso del Norte.

A la ceremonia se espera la asistencia de la Lic. María Guadalupe Chacón Monárrez, secretaria de Educación y Cultura del Gobierno del Estado de Chihuahua, quien recibirá de manera simbólica los ejemplares de la edición que fue impresa con un apoyo del Programa de Apoyo a las Culturas Municipales y Comunitarias (PACMYC) 2008.

El autor leerá el texto Coyote y Cuervo Blanco de la etnia Caiígwu en compañía del percusionista Ricardo Bennet que tocará un tambor rarámuri.

Coyote Viejo Coyote esta compuesto por una antología de cuentos del mito del Viejo Coyote entre los nativos de América del Norte, que constituye la primera parte del libro, y que consta de 16 relatos narrados por trece etnias y que ha sido complementado con dos cuentos mexicanos recopilados por Higinio Vázquez Santa Ana, para documentar cómo este mito influyó a la cultura popular mexicana. Esta antología, como tal, obtuvo una mención honorífica en el Premio Nacional de Cuento Infantil «Juan de la Cabada» 1998.

El Viejo Coyote es un mito similar al Prometeo griego que entrega el fuego a los hombres, pero en el caso del norteamericano es también un personaje vanidoso, embustero y que gusta embromar a los demás, y a la vez, es objeto de burlas. Sus andanzas eran contadas a los niños para instruirlos y preservar la cultura de estas etnias.

La segunda parte del libro consiste en un breve examen de las regiones culturales indígenas de América del Norte.

La tercera parte describe las trece etnias de donde proceden los cuentos. El epílogo está dedicado a los maestros y tutores, toda vez que este libro ha sido concebido para niños y adolescentes, en esta sección se analiza al coyote como animal, como mito y como integrante de la literatura norteamericana. Además se ofrece una recomendación didáctica para la mejor comprensión de los relatos.

La Dirección de Educación de la Zona Norte de la Secretaría de Educación y Cultura del Gobierno del Estado de Chihuahua recibirá 749 ejemplares de esta primera edición para que sean repartidos, en Ciudad Juárez y el Valle de Juárez, entre las 212 escuelas de pre escolar, 470 escuelas primarias y 67 secundarias existentes.

Los libros serán utilizados como material didáctico de acuerdo al plan que establezca la propia Dirección, pero por lo menos pueden servir para establecer el principio de una biblioteca escolar en los planteles donde sea necesario.

Éste es un donativo que la empresa cultural Rancho Las Voces hace a su comunidad a través del PACMYC 2008.

Rubén Moreno Valenzuela es un narrador y periodista cultural nativo de esta frontera. Ha publicado el libro de relatos Río Bravo Blues (2003), y prepara para prensa la novela policial-metafísica La Biblia de Gaspar. Actualmente se desempeña como coeditor de la revista electrónica de arte y cultura Rancho Las Voces.

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Radio / Steve Balsamo: «Immortal» de Eric Woolfson

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En RADIO Rancho Las Voces... Steve Balsamo... interpreta...Immortal... en RADIO Rancho Las Voces...The words will live forevermore...


Immortal
Lyrics

I was adrift on an ocean of dreams
I was amazed...
And as I sail to the end of the world
I'm not afraid...
Mournful moon and willow tree
Tell the world not to weep for me
And I will be set free...
I took a drink from a bottle of wine
And I was changed...
Made a deal with the devil inside
And I was shamed...
I have sailed on stormy seas
Where the four winds blow me;
Shining moon and willow tree
Tell the world--remember me
For I will be set free...
All that we see,
All that we seem
Is but a shadow of a shadow
Of a dream within a dream;
But if a tree is evergreen,
Then maybe part of us
Could be eternal...
Though tangled life
May be no more,
A drop rain upon the ocean
Grain of sand upon the shore
The words will live forevermore
If you can hear me now,
Am I immortal?
Magic mood and willow tree
If they ask about me,
Tell the truth, and they might learn;
Light a candle and watch it burn...
Then I will be set free...
Free as a bird
Upon the wind,
Now all the trials and tribulations
Of the world don't mean a thing;
Above the clouds
I'll fly away--
Was it my imagination,
Did the stars come out to play?
Beyond the sun--
Eternal flame,
I hear a chorus of a million voices
Calling out my name;
But all I see and all I seem
Is but a shadow of a shadow
Of a dream within a dream,
Free as the wind--
Lighter than air
Free from the jealous minds,
The scornful, bitter words
Won't hurt me there
And I will live forevermore--
If you remember me,
I am immortal!
I am immortal!

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Radio / Alan Parsons: «Old & Wise»

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En RADIO Rancho Las Voces...Alan Parsons... interpreta...Old & Wise... en RADIO Rancho Las Voces...the dreams that you dare to dream...
As far as my eyes can see...There are shadows approaching me...

Old & Wise
Lyrics

There are shadows approaching me
And to those I left behind
I wanted you to know
You�ve always shared my deepest thoughts
You follow where I go

And oh when I�m old and wise
Bitter words mean little to me
Autumn winds will blow right through me
And someday in the mist of time
When they asked me if I knew you
I�d smile and say you were a friend of mine
And the sadness would be lifted from my eyes
Oh when I�m old and wise

As far as my eyes can see
There are shadows surrounding me
And to those I leave behind
I want you all to know
You�ve always shared my darkest hours
I�ll miss you when I go

And oh, when I�m old and wise
Heavy words that tossed and blew me
Like autumn winds that will blow right through me
And someday in the mist of time
When they ask you if you knew me
Remember that you were a frined of mine
As the final curtain falls before my eyes
Oh when I�m old and wise

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Cartelera / Ciudad Juárez: «Colección Otoño Invierno» en el Colegio Bilbao

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Ciudad Juárez, Chihuahua. Calzada del Rio 9950

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Obituario / Eric Woolfson

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El músico, en 1987.- (Foto:ALFREDO GARCÍA FRANCÉS)

C iudad Juárez, Chihuahua. 12 de diciembre 2009. (RanchoNEWS).- Un grupo musical que no actuó en directo y que vendió casi 50 millones de discos materiales y palpables es algo que a muchos ahora les sonará a la época de los dinosaurios. Y de hecho, Alan Parsons Project dejó de tener tanto éxito cuando su fórmula empezó a ser calificada por los críticos y el público de los iconoclastas años ochenta del siglo XX como «música de dinosaurios». Eric Woolfson, autor y cantante de la mayoría de los temas estrella del producto que inventó junto a Alan Parsons, falleció el 4 de diciembre en Londres, a los 64 años, a causa de un cáncer. Una nota de para El País:

Nació en la ciudad escocesa de Glasgow el 18 de marzo de 1945, en el seno de una familia judía. Un tío suyo le inició en el aprendizaje del piano, que completó él mismo de forma autodidacta. Nunca aprendió bien las normas del pentagrama y tocaba y componía de oído. Soportó un tiempo como contable, pero pronto se fue a Londres, donde encontró trabajo como pianista de acompañamiento, como recuerdan varios diarios británicos, además del estadounidense The New York Times.

Trabajó entonces con dos músicos que más tarde formarían el grupo Led Zeppelin, Jimmy Page y John Paul Jones, ni más ni menos. Se las arregló para conocer al manager de los Rolling Stones, Andrew Loog Oldham, que al oírlo tocar exclamó: «Pero, ¡si eres un jodido genio!», y le ofreció grabar con su sello recién fundado, Inmediate Records.

Así, las canciones compuestas por Woolfson tomaron forma en las voces de Frank Ifield o Marianne Faithfull. Al final de los años sesenta y en los setenta, prefirió trabajar como productor independiente para diversas compañías discográficas y con artistas y grupos como los Equals, los Tremeloes o Dave Berry. Tampoco estuvo contento con esto, y se decantó por la representación de artistas.

Sus dos primeros clientes fueron el cantante Carl Douglas y el productor Alan Parsons, que había hecho las mezclas de discos como The year of the cat, de Al Stewart, y The dark side of the moon, de Pink Floyd -otro grupo que en los ochenta sufrió el descalificativo de «dinosaurio»-. A Parsons lo conoció en los estudios londinenses Abbey Road, de la EMI. Precisamente, Parsons había producido el Abbey Road de los Beatles, el disco donde cruzan un paso de cebra en la portada.

La mejor calidad

Pronto estuvieron de acuerdo en hacer un grupo en el que, alrededor de ellos dos, rotarían buenos músicos y cantantes, en busca de la mejor calidad. Era 1975. «Nunca fue un grupo convencional», dijo Woolfson en una ocasión, «la idea era grabar como filmaban sus películas Kubrick o Hitchcock, donde la producción era más importante que los actores. Pensamos que otros seguirían nuestro camino, pero no ha sido así».

Lo que sí es cierto es que sus canciones, sencillas, pero impecablemente instrumentadas y producidas, con un sonido envolvente y grandioso, inspiraron el rock progresivo e incluso el trance actual. Y, aunque él sólo las entonó para que después cantantes «mejores» las grabaran, finalmente es su voz la que se escucha en las inolvidables Eye in the sky, Don't answer me o Time, incluidas en los 10 álbumes que publicaron, comenzando por el inquietante Tales of mistery and imagination, basado en la obra de Edgar Allan Poe.

En 1985, sus caminos se dividieron. Woolfson, siempre inspirado por grandes escritores o artistas (I Robot, en la obra homónima de Isaac Asimov), comenzó a componer para musicales. El primero fue Freudiana, seguido por Gaudí. El último, Edgar Allan Poe, se estrenó este año en Alemania dentro de las celebraciones del 200º aniversario del nacimiento del escritor.

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Música / Entrevista a Cecilia Bartoli

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La mezzosoprano Cecilia Bartoli, que hoy inicia en Barcelona su gira española dedicada a los castrati.-(Foto: ULY MARTÍN)

C iudad Juárez, Chihuahua. 10 de diciembre 2009. (RanchoNEWS).- Aquellos seres castrados con cuerpo de hombre y voz de mujer, condenados a ser monos de feria por obra y gracia de Dios o de la moda al uso en el siglo XVIII. Todas esas criaturas que sucumbieron a la jugosa carne de un negocio como almas en pena y pasaron el resto de su vida en busca de una confusa identidad que sólo encontraban en la música, fueron un auténtico fenómeno barroco con muchas aristas presentes. Una entrevista de JESÚS RUIZ MANTILLA para El País:

Hoy también es tiempo de castrati, «los primeros grandes divos de este mundo». Lo dice Cecilia Bartoli, la mezzosoprano del momento, que ha dedicado su último disco, el exuberante Sacrificium, y la gira que empieza hoy en España -Barcelona, Madrid (día 12) y Murcia (15)- a desentrañar el laberinto de su voz perdida. Lo hace preguntándose algo que hasta hace poco fue tabú en el mundo de la ópera: «¿Mereció la pena su sacrificio?», se pregunta Bartoli. «Pues creo que no».

No por cruel. No por absurdo. No por fanático. Por fatuo. Si bien Haendel, Porpora, Leo, Vinci, Pergolesi, Pollarolo, Orlandini, Broschi o Vivaldi escribieron para estos fenómenos, que alcanzaban auténticas marcas aguantando el aire y la expulsión del sonido, algunas de sus piezas más excelsas, complicadas y admirables. Bartoli se ha decantado por la obra de la escuela napolitana, auténtica referencia mundial, junto con Bolonia, de la cantera castrada. Los dos lugares de donde salieron Farinelli, Caffarelli, Sinesino, Porporino, Salimbeni, Bernacchi... Niños que a los 8, 9, 10 años, pasaron por el barbero o el veterinario para ser despojados de sus atributos y sortear así, en primera instancia, el hambre como camino previo hacia la gloria. «Pienso en ellos y en su drama, que debió ser tremendo. Pero al menos triunfaron, se enriquecieron. ¿Y los que hicieron lo mismo y se quedaron por el camino? De los otros, ¿quién se acuerda?», plantea Bartoli.

¿Dónde están los castrati de hoy?

El último del que tenemos noticia fue Moreschi, que duró hasta principios del siglo XX. Hay grabaciones en Internet. Un Ave María de Schubert. Tenía una voz sufriente, una voz triste. Aquello pasó a la historia, pero hoy seguimos haciendo cosas absurdas por fanatismo, por moda. Una vez preguntaron a Riccardo Muti acerca de esto y contestó que un ejemplo de castrato en nuestros días es Michael Jackson. Yo creo que es así, que él ha sido el auténtico castrato posmoderno. Se le ve en la cara. La nariz la tenía, el resto... ¿quién sabe?

También Jackson fue un personaje trágico. ¿Se les notaba en la voz?

Convertían en música su tragedia personal. El drama de saber qué eran. En las memorias de uno de ellos, Filippo Balatri, queda muy claro. Dice que lo primero que expresaban era el dolor, aunque ninguno tuviera el valor de reconocerlo. Ni siquiera que habían sido castrados para dedicarse a la música. Todos ponían la excusa de que había sido un perro, o que se cayeron del caballo, como Farinelli. Balatri me impresiona cuando comenta: «Nunca tendré la satisfacción de que alguien me llame padre».

Pero los que triunfaban, tampoco tenían mala vida.

No, claro. Eran viajeros, inquietos, cosmopolitas, muy ricos.

¿Se puede hacer uno idea de las dificultades que superaban al estudiar bien las partituras?

Las partituras cantan. Se ve claramente la dificultad, los compases que se suceden sin apenas espacio para respirar, por la extensión en las que se las arreglaban para aguantar la pureza del sonido, para sostener el aire. Yo puedo intentarlo, pero me falta, como decirlo, lo de abajo. Se preparaban desde los 8 años hasta los 12, en escuelas especiales. Adquirían técnica, expresividad y buena educación, cultura. Sobre todo, comida asegurada. Era el modo de escapar de la pobreza.

Y para alimentar un buen negocio.

Desde luego. Un negocio sobre el que se ha desplegado una gran hipocresía. Nadie habla de la tragedia, todo el mundo destaca siempre la maravilla, en el nombre del arte, de la música.

¿La Iglesia lo toleraba?

La posición de la Iglesia es de un cinismo total. De un lado prohíbe la castración y de otro los mete en el coro de la Capilla Sixtina. Pero es que tampoco dejaba cantar a las mujeres, lo que alentaba el negocio de los castrados. A ello dediqué mi anterior disco, Opera Proibita.

De entre todos ellos, ¿quién le ha llegado más adentro?

Cada uno tenía una particularidad. Salimbeni poseía una calidad en la línea, era el Dios del fraseo. Caffarelli era insoportable, una auténtica castra diva. Pero tenía unos registros larguísimos. Farinelli contaba con la facilidad del registro y superaba todas las tesituras. Era como un violín, escucharle debía ser monstruoso. Para contrarrestar esto le pedía a su hermano, Riccardo Broschi, que le escribiera arias lentas y sentidas en las que alcanzar la profundidad del sentimiento frente a lo funambulesco. Además, era una gran persona. Aquí lo saben, pasó parte de su vida en España.

En la corte de Felipe V y Fernando VII. Fue discreto, inteligente, cabal... Nadie hablaba mal de él. Fue quien introdujo la ópera italiana en la corte española y no tiene ni una calle, ni una estatua en Madrid.

¿No me diga? Encima, como no hay herederos que lo reivindiquen... Lo tiene difícil. Pueden aprovechar ahora, con tanta obra como están haciendo en la ciudad y después de esa duda que tienen sobre dónde recolocar la estatua de Colón para hacerle un hueco.

¿Quedan todavía muchas leyendas castradas por enterrar?

Demasiadas. Haciendo este trabajo, me he planteado por qué no se hacía con las mujeres. Creo que hay una respuesta. A los niños había que castrarlos a partir de los ocho años, una edad en la que es fácil manipularles. Pero en el caso de una niña, habría que hacerlo a los 12 o 14, y ahí es más difícil que se conformen con según qué cosas. Luego está el asunto sexual. Para ellos debía ser tan frustrante que por eso exageraban y contaban hazañas. ¡Hala! ¡Venga! Que podían hacerlo hasta cinco horas sin parar ni dejar rastro, claro. Además, los maridos engañados no tenían manera de enterarse.

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Radio / Leon Russell: «Somewhere Over The Rainbow»

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En RADIO Rancho Las Voces...Leon Russell... interpreta...Somewhere Over The Rainbow... en RADIO Rancho Las Voces...the dreams that you dare to dream...


Somewhere Over The Rainbow
Lyrics

Somewhere, over the rainbow, way up high.
There's a land that I heard of Once in a lullaby.
Somewhere, over the rainbow, skies are blue.
And the dreams that you dare to dream
Really do come true.
Someday I'll wish upon a star and wake up where the clouds are far Behind me.
Where troubles melt like lemon drops, Away above the chimney tops.
That's where you'll find me.
Somewhere, over the rainbow, bluebirds fly. Birds fly over the rainbow,
Why then - oh, why can't I?
If happy little bluebirds fly beyond the rainbow,
Why, oh, why can't I?

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Fotoperiodismo / AP: «El pulso de la Tierra»

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Copenhague, 10 de diciembre 2009.- Parte de la instalación artística El pulso de la Tierra es exhibida frente al edificio de la ONU, donde se lleva a cabo la Cumbre del Cambio Climático en Copenhague.

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Radio / Three Dog Night: «Mama told me not to come»

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En RADIO Rancho Las Voces...Three Dog Night... interpreta...Mama told me not to come... en RADIO Rancho Las Voces...is the craziest party there could ever be...


Mama told me not to come
Lyrics

Want some whiskey in your water
Sugar in your tea
What's all these crazy questions they askin' me
This is the craziest party there could ever be
Don't turn on the lights, 'cause I don't want to see

Mama told me not to come, oh lord
Mama told me not to come
She said, That ain't the way to have fun, no

Open up the window
Let some air into this room
I think I'm almost chokin'
From the smell of stale perfume

And that cigarette you're smoking
'Bout scared me half to death
Open up the window, sucker
Let me catch my breath

Mama told me not to come, oh lord
Mama told me not to come
She said, that ain't the way to have fun, son
That ain't the way to have fun, son

(Instrumental)

The radio is blastin'
Someone's knocking at the door
I'm lookin' at my girlfriend
She's passed out on the floor

I seen so many things
I ain't never seen before
I don't know what it is
somebody shut that door

Mama told me not to come, oh lord
Mama told me not to come
She said, that ain't the way to have fun, son
That ain't the way to have fun, son

Mama told me, mama told me, mama told me
Told me, told me
That ain't no way to have fun, whoah, yeah yeah
Mama told me not to come
Mama, mama, mama told me
That ain't no way to have fun

That ain't the way to have fun, no
That ain't the way to have fun, son
That ain't the way to have fun, no
That ain't the way to have fun, son

That ain't the way to have fun, no
That ain't the way to have fun, son
That ain't the way to have fun, no
That ain't the way to have fun, son

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Obituario / Alfred Hrdlicka

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El artista, en 2008.- (Foto:EFE)

C iudad Juárez, Chihuahua. 9 de diciembre, 2009. (RanchoNEWS).- En abril de 2008, el arzobispo de Viena, Christoph Schoenborn, ordenó la retirada de una de las obras que se exponían en el museo de la catedral de San Esteban. Se trataba de un dibujo de la Última Cena que presentaba a los apóstoles entregados a una orgía homosexual. Su autor era Alfred Hrdlicka, nacido en Viena en 1928, considerado el artista plástico más importante de Austria en el último medio siglo, que falleció el pasado 5 de diciembre debido a complicaciones derivadas de su frágil estado de salud. Una nota de ISABEL LAFONT para El País:

La obra retirada había levantado las iras de grupos cristianos y el arzobispo vienés, que a pesar de reconocer a Hrdlicka como «uno de los artistas vivos más importantes de Austria», justificó su decisión porque la obra era «injuriosa para con los fieles» y negó que se tratase de un acto de censura. Aquella exposición, titulada Religión, carne y poder, reunía otras atrevidas obras de Hrdlicka, como un Cristo crucificado que era acariciado al mismo tiempo. Esa obra no se retiró de una exposición en la que el artista pretendía centrarse en los aspectos carnales de la religión y en la búsqueda de Dios «como una experiencia humana» y que reflejaba las preocupaciones de un creador respetado, pero siempre rodeado de controversia.

Militante del Partido Comunista y declarado marxista durante muchos años, Hrdlicka hizo de la violencia, la sexualidad y la muerte tema fundamental de su obra escultórica, sobre todo. El artista definió como «físico» al siglo XX y como principio artístico asumía que «todo el poder del arte proviene de la carne». Crítico con el arte abstracto y conceptual, creía que, como artista, debía mantener un compromiso social y político. En este aspecto, y no sólo en su interés por la sexualidad humana, su obra también fue pasto de la polémica. Como autor del Monumento contra la guerra y el fascismo, situado en la plaza vienesa del Museo Albertina desde 1991, recibió numerosas críticas. Entre ellas, la del fallecido cazador de nazis Simon Wiesenthal, que calificó a la escultura de «indigna» porque representa a un judío con barba, arrodillado en el acto de limpiar el suelo con un cepillo.

Tras prepararse para convertirse en protésico dental, Hrdlicka, que tenía un extraordinario talento para el ajedrez, estudió pintura hasta 1952 en la Akademie der Bildenden Künste con Paris Gütersloh y Josef Dobrowsky. Más tarde se formó en escultura con Fritz Wotruba y en 1960 realizó su primera exposición en Viena. Cuatro años más tarde fue el representante de Austria en la Bienal de Venecia.

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Visor Fronterizo / Jaime Moreno Valenzuela

Contraste en la montaña

Ciudad Juárez, Chihuahua.4 de diciembre 2009. (RanchoNEWS).- El contraste se deja sentir, un sol despidiéndose del lado oeste de la montaña mientras en el lado este, el frio de la despedida es inminente.

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Visor Fronterizo / Jaime Moreno Valenzuela

Montaña con neblina

Ciudad Juárez, Chihuahua.4 de diciembre 2009. (RanchoNEWS).- La tarde del viernes la montaña Franklin, vestía de blanco en su cúspide y la neblina iba en ascenso.

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Fotoperiodismo / Wally Santana: «Flying Apsaras»

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Taiwan 12/09/2009.-Mainland China dance group from the Dun Huang Research Institute perform an arrangement entitled "Flying Apsaras" depicting the Buddhist imagery found in the grottoes in Dun Huang, northwestern China, in Taipei, Taiwan. The group will perform in Taiwan from Dec. 12-13, 2009.

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Visor Fronterizo / Jaime Moreno Valenzuela,

Detalle nieve

Ciudad Juárez, Chihuahua. 30 de noviembre 2009. (RanchoNEWS).- Detalle del Rancho en la primera nevada del 2009.

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Fotoperiodismo / Peter Dejong: «The Survival of the Fattest»

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Copenhagen, 12/08/2009.-The «Survival of the Fattest» a sculpture by Danish artisit Jens Galschiot is seen in the harbor of Copenhagen. The sculpture represents an overweight Lady Justice figurine, symbolizing the rich industrialized world, sitting on the back of a thin worn-out African man. The largest and most important U.N. climate change conference is into its second day with organizers warning diplomats from 192 nations that this could be the best, last chance for a deal to protect the world from calamitous global warming.

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Cartelera / Ciudad Juárez: Triverso Ensamble en concierto

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Un amplio recorrido por el mundo a través de la música...Triverso Ensamble y el violín gitano del maestro Roberto Valdez nos harán vivir una experiencia única en nuestra ciudad; vive con nosotros este viaje en compaíia de tus seres queridos en el lugar de los mejores amigos...LAS BUENAS AMISTADES!
(atrás del Cannanas, sobre la Av. Hermanos Escobar) las reservaciones las puedes hacer al tel. 618-4455 con la Lic. Mariel Rodríguez

Te esperamos!!

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Fotoperiodismo / Bulnet Kilic: «Kurdish demonstrator»

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Turkey 12/06/2009.- A masked Kurdish demonstrator attends a rally during clashes with Turkish riot policemen in the southeastern Turkish city of Diyarbakir. Kurds were protesting against Turkish government policy on Kurds. Protestors spoke out against Kurdish jailed leader Abdullah Ocalan's health condition. Ocalan, head of the separatist Kurdistan Workers' Party (PKK), has been in Turkish custody since 1999.


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Fotoperiodismo / Frank Tilley: «Red skyline»

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Texas 12/02/2009.- The red skyline over Victoria, Texas.

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Fotoperiodismo / Eckehard Schulz: «Brockenbahn train»

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Germany, 12/03/09.- A double-banked, steam hauled, Brockenbahn train arrives at the 1,142 meters (3,743 ft) high Brocken mountain station, in eastern Germany. The Brockenbahn runs from Drei Annen Hohne where it joins the Harzquerbahn, via Schierke and the Bode River valley to the summit of the Brocken, the highest mountain of the Harz in the Harz National Park. During the Cold War era the Brockenbahn was in use to supply a garrison at the summit and the area was off-limits to non service personnel. The line was reopened for the public in 1991 and the steam trains have become popular for thousands of tourists every year.

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Fotoperiodismo / Sergei Chuzavkov: « Great Famine»

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Ukraine, 11/28/2009.-Candles are seen at a monument to victims of the Great Famine in Kiev, Ukraine. Church bells tolled, candles flickered and national flags, adorned with black ribbons, flew in the Ukrainian capital Kiev Saturday as the country marked the anniversary of the start of a Soviet-era famine that killed millions. But the solemn events were overshadowed by fierce opposition from Russia. The Kremlin is resisting Ukraine's campaign to win international recognition of the 1932-33 tragedy as an act of genocide against the Ukrainian nation, saying other ethnic groups also suffered.

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Fotoperiodismo / Vadim Ghirda: «Rural Romania»

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Romania, 11/30/2009.-A boy looks out from the window of a house that has no electricity, near Calarasi, southern Romania. Families in rural Romania face hardships, due to low income in the agriculture and poor infrastructure, with many homes without electricity or running water. Romania, an European Union member state since 2007, is gripped by bitter political fighting, a week before a presidential election runoff.

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Fotoperiodismo / Romeo Gacad: «Eid al-Adha»

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Indonesia, 11/27/2009.- A child watches the slaughter of sacrificial goats outside the al-Akhyar mosque in Jakarta where meat is distributed to the poor and families as Indonesia marks the first day of the Islamic holiday of Eid al-Adha.

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Fotoperiodismo / Martin Meissner «Backstroke»

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Germany, 11/27/2009.-Thomas Rupprath swims the 50 meter backstroke in new European record time of 22.91 seconds during the German short course swimming championships in Essen, western Germany.

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Galería / Paolo Roversi

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From Studio

by Paolo Roversi

120 pages, 57 color plates

28 cm x 32 cm

Semi-hard cover

ISBN: 978-3-86521-758-5

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Galería / Susan S. Bank

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Pavos in sala. From Cuba: Campo Adentro
by
Susan S. Bank
Publisher: Sagamore Press
Year: 2008
10.5 x 10.2 inches
84 pages
48 black and white illustrations

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Galería / Teun Hocks

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Sans Titre, 2006 © Teun Hocks; Courtesy Patricia Dorfmann, Paris

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Galería / Lamia Naji

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Are you there II, 2008 © Lamia Naji; Courtesy Galerie El Marsa, Tunis

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Galería / Matthew Pillsbury

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La Joconde, Salle des Etats, Le Louvre, 2008 © Matthew Pillsbury; Courtesy Bonni Benrubi, New York

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Artes Plásticas / Gabriel Orozco inauguró exposición individual en el Museo de Arte Moderno de NY

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Mobile Matrix, su escultura monumental, se puede ver en el recinto neoyorquino (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 9 de diciembre 2009. (RanchoNEWS).- La noche de este martes se inauguró una exposición con alrededor de 80 obras de Gabriel Orozco en el Museo de Arte Moderno (MoMA), de Nueva York. Una nota de Merry MacMasters para La Jornada:

Durante una visita previa del artista mexicano al recinto, acompañado de representantes de los medios de comunicación, Glenn Lowry, director del MoMA, manifestó: «Gabriel Orozco es uno de los artistas más originales de los años 90 del siglo pasado y ha desarrollado una carrera continua de innovación y revelación, al crear instalaciones, esculturas, pinturas, dibujos y fotografías que desafían cualquier tipo de catalogación o clasificación fácil, y se distinguen por su poder formal y su rigor intelectual».

A la apertura de la muestra, que abarca dos décadas de trabajo del artista mexicano, asistió Margarita Zavala, esposa del presidente Felipe Calderón, y Consuelo Sáizar, titular del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes.

En el sexto piso del museo neoyorquino, Lowry explicó cómo en 1993 Gabriel Orozco (Jalapa, 1962) creó una pieza para el MoMA como parte de una serie de proyectos del artista con el museo.

Desde entonces, el MoMA ha perseguido de «manera activa» el trabajo de Orozco para su colección. De allí que en el segundo piso se exhibe una serie de impresos digitales intitulada Invariables del árbol samurái, instalación que «revisa el modo en que Gabriel puede tomar una idea y multiplicarla; ver todas las variantes y posibilidades».

Al recinto que también ha albergado exposiciones individuales del muralista Diego Rivera y el fotógrafo Manuel Álvarez Bravo, se trasladó desde la Biblioteca Vasconcelos, Mobile Matrix, escultura monumental compuesta por un esqueleto reconfigurado de una ballena gris que Orozco creó en 2006.

Sensibilidad y rigor formal

Para Lowry, el expositor tiene la capacidad de trabajar con materiales desde lo microscópico, como las motitas de polvo y la pelusa, hasta lo monumental, y «en cada una de esas escalas, así como en las intermedias, siempre existe la manera de capturar algo mágico, trascendental, pero inesperado. Se trata de una combinación de cómo los objetos son ubicados, la delicada sensibilidad que tiene Gabriel, junto con un increíble rigor formal presente en toda su obra».

La curadora de la exposición, Ann Temkin, dijo que en las semanas recientes muchos le han preguntado «por qué Gabriel Orozco», indagación que le molesta, aunque reconoció que «no es común que el MoMA dedique espacio a artistas de 40 y tantos años».

En un acto inusitado, Orozco llegó al museo con una obra. Se llama Mixiote. Se trata de una pieza, explicó a La Jornada, «hecha con una bola de esponja, una bolsa de plástico y una hoja que se usa para envolver el mixiote, que es la piel del maguey, que consigo en Xochimilco. Hice varias de estas piezas cuando se abrió la galería Kurimanzutto en 2000, que fueron presentadas en un mercado».

Respecto de los pocos mexicanos que han tenido exposiciones individuales en MoMA, Orozco lo relacionó con «los momentos relevantes en el desarrollo del arte mexicano».

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Textos / El orgullo de Pescado Rabioso

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El músico (Foto: Archivo)

C iudad Juárez, Chihuahua. 4 de diciembre 2009. (RanchoNEWS).- Recibí la propuesta de integrar Pescado Rabioso para ocupar el lugar de bajista: Luis ya había arreglado con Black y éste le propuso probarme. Black y yo veníamos de tocar con Pappo y estaba convencido de que era el tipo de bajista que Spinetta buscaba. Un día me vinieron a buscar los dos. Black ya me había hablado de esta posibilidad y me tenía convencido, porque en realidad yo me dedicaba a componer y tocar primera guitarra. Ocupar el lugar de bajista no significaba sólo desempeñarme como un profesional (con todo el respeto). Sacar las partes, interpretarlas... integrar Pescado era también seguir provocando el cambio rockero, catalizar lo nuevo, experimentar, estar en comunicación con el público y formar parte de uno de los grupos más importantes de la época. Un texto de Bocón Frascino para Página/12:

Yo ya venía con todo un trayecto previo que se había iniciado con «Twist and Shout», de Los Beatles. Empecé a los 13 años y antes que nosotros, «los fundacionales», no había rockeros en Buenos Aires. Con Black ya habíamos tocado muchas veces y nos llevábamos muy bien. Luis Alberto venía de dejar Almendra, volvía de Francia y buscaba una formación que fuese... grossa. Jorge Pistocchi alquiló una casaquinta en Ituzaingó, donde fuimos a vivir Luis, Black y yo. Allí ensayábamos, comíamos, dormíamos, hablábamos... de allí salieron temas como «Dulce 3 nocturno» y «Me gusta ese tajo», compuestos por los tres. Luis dirigía, tenía muy buenos temas; yo coescribí «Dulce 3 nocturno», «Me gusta ese tajo», «Algo flota en la laguna» y «Mi espíritu se fue». Mi rol no sólo fue tocar el bajo, porque todo lo que sucedió en un principio siguió modificándose hasta la grabación de Desatormentándonos, grabado en cuatro canales, sistema analógico, con partes improvisadas en el estudio. Grabé las primeras guitarras en «Dulce 3 nocturno» y la base de bajo, guitarra y solo en «Me gusta ese tajo». Luego se integró Carlos Cutaia y grabamos «La serpiente (viaja por la sal)», las teclas de «Me gusta ese tajo». Yo busqué un puente armónico entre la base y el vuelo de Spinetta: sin dejar de marcar la base, apoyando la tendencia a los riffs que empezábamos a utilizar y armonizando con la guitarra. Pero... yo sentía que me alejaba de la composición y de la viola, que es mi pasión. Empecé a sentirme mal y tuve que optar: seguir con Pescado Rabioso y trascender o sacrificarme por mi vocación. No dudé un instante: hablé con Luis y me entendió.

Cuando me enteré de que se estaba preparando el show en Vélez, llamé a Luis a su estudio, y me dijo: «Me ganaste de mano porque te estaba por llamar». Creo que Luis Alberto Spinetta merece este homenaje y los premios que ha recibido a lo largo de su trayectoria. El está entre lo más prestigiosos de rock local y los músicos que ocupan esos lugares merecen mi respeto. Le estaré eternamente agradecido por su invitación.

Pasaron 37 años de la separación de Pescado Rabioso, y me emociona tocar en Vélez para el público que nos vio en esa época. Tocar para gente que te dice, por ejemplo: «Permitime que te salude, yo dormía a mi hijo cantándole ‘Dulce 3 nocturno’». Es muy importante para mí este reconocimiento por parte de Luis, me consuela y reconforta.

Soy rockero y vivo para el rock & roll. Después de Vélez seguiré con Engranaje. Y para los jóvenes de ahora, «Nueva sangre para el viejo monstruo». Volver a ver a Luis, a Black, a Carlos Cutaia, a David, después de tanto tiempo, los ensayos, los grandes músicos que tocarán antes y después... es simplemente conmovedor.

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Obituario / Ana María Pecanins

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La galerista (Foto: Cortesía de la Galería Pecanins)

C iudad Juárez, Chihuahua. 9 de diciembre 2009. (RanchoNEWS).- Ayer por la tarde falleció Ana María Pecanins, directora y fundadora, junto con sus hermanas Tere y Montserrat, de la galería que lleva su apellido y que justo esta semana celebró sus nueve lustros con la inauguración de la exposición 45 años: picando piedra. Una nota de Mónica Mateos-Vega para La Jornada:

La galerista era hermana gemela de María Teresa, fallecida el pasado agosto. A raíz de esa pérdida, estuvo delicada de salud, no obstante tuvo ánimo todavía para organizar, con ayuda de su sobrina Yani, el festejo por los 45 años de ese espacio.

Para las Pecas (como se le conoce en el medio) su galería no sólo fue un recinto abierto al arte, también es ejemplo de «un espíritu, una manera de haber vivido, no sólo para sus fundadoras, sino para muchas personas de la comunidad cultural del país».

Ana María Pecanins nació en Barcelona, España, el 21 de julio de 1930. Llegadas a México en 1950, las Pecanins también se dedicaron a promover el arte catalán aquí y viceversa. Las tres hermanas fundaron la Galería Pecanins en 1964, primero en un inmueble de la colonia Juárez, después en la Zona Rosa. Ahora se ubican a unos pasos de la fuente de las Cibeles, en la colonia Roma. La idea que animó la iniciativa y que persiste hasta la fecha es apoyar las propuestas de artistas emergentes.

Arte mexicano en Barcelona

De 1972 a 1976 abrieron una sucursal de la galería en Barcelona. Ana María recordaba así ese proyecto que se le ocurrió paseando por el barrio Gótico de su ciudad natal: «Las tres hermanas nos entusiasmamos para abrir la galería y la inauguramos en 1972, con una exposición de Rufino Tamayo. Corrimos un riesgo increíble, porque las primeras opiniones que recibimos fueron terribles. Nos dijeron: ¡cómo siendo catalanas abren una galería de artistas sudamericanos (sic)!

«Explicamos que era un grupo de artistas de muchas nacionalidades que trabajaban en la ciudad de México, que nosotras representábamos y que nuestro propósito era llevar a México el arte catalán del mismo nivel que exponíamos en México. En 1972, en Barcelona, nadie sabía quién era Rufino Tamayo. Un crítico de arte me preguntó quién era él. Para no hacerle más evidente su ignorancia, le dije: los catalanes tienen a Miró y los mexicanos a Tamayo. Así se tendió el puente México-Cataluña, sin demasiada comprensión de parte de la crítica catalana y sin ningún apoyo oficial.»

La sede actual de la galería se ubica en la calle Durango 186, colonia Roma y se inauguró en 1984.

Los restos de Ana María fueron velados anoche en la funeraria García López ubicada en Versalles y General Prim, colonia Juárez, donde hoy le darán el último adiós familiares y amigos.

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Textos / Las huellas de la ficción

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El cineasta (Foto:Archivo).

C iudad Juárez, Chihuahua. 28 de noviembre 2009. (RanchoNEWS).- Para desentrañar las claves de una época, es usual recurrir a documentos -cifras, discursos, actas- que testimonien lo sucedido. Pocas veces se recuerda que la ficción también brinda huellas para entender una sociedad: los miedos, el hastío y los sueños aparecen reflejados en las obras de los artistas. Un texto de MARCELO PIÑEYRO para El País:

Si entendemos el cine como una representación de la realidad, es indudable que el cine argentino, a lo largo de su historia, ha logrado algunas fuertes improntas, todas ellas estrechamente relacionadas con las circunstancias que su sociedad atravesaba. El melodrama de los cuarenta y cincuenta, al igual que las comedias populares de esa época, le hablaban a una sociedad con un fuerte componente inmigratorio y reflejaban la ilusión de llegar a pertenecer a los sectores medios, la posibilidad de progreso, la fe en la movilidad social. El cine social de esta época presenta otra cara de esta misma mirada y, si bien a diferencia de aquél no se refugia en universos artificiales o sublimados, sino que refleja fuertes situaciones de injusticia, al igual que aquél tiene fe en el futuro, en el cambio, en la concordancia de los diferentes actores sociales para construir sociedades más justas y felices.

A finales de los cincuenta surge un relato costumbrista, con eje en los sectores medios ya establecidos, los beneficiarios de la movilidad social y protagonistas de los proyectos de «progreso» en que el país se embarcó. Este protagonista, que hubiera significado el «final feliz» del ciclo anterior, estaba sin embargo sumido en el pesimismo. Su consolidación en un nuevo estrato social no era sinónimo de felicidad, a su edad media, el precio del «triunfo» había sido entregar sus sueños de juventud, la vida era un juego sin sentido, la única «tregua» posible era el amor, condenado a la fugacidad.

El cine «revolucionario» de los sesenta y setenta marca el fin de la ilusión de la movilidad social como objetivo y perfil del país, la imposibilidad de esperar de la concordancia social una solución a los problemas. El cine social de los cincuenta era tranquilizador, la fe en el futuro era axiomática. El cine revolucionario de los sesenta y setenta era intranquilizador: la imposibilidad de la concordancia social era el nuevo axioma. Bajo la admonición de Frantz Fanon «todo espectador es un cobarde o un traidor», el cine era militante o burgués, una herramienta de la revolución o de la dominación.

Los que hicieron estas películas encontraron en estos géneros el modo de contar su sociedad. Pero Argentina, al igual que Latinoamérica, ha cambiado. Ya no es la de los cincuenta ni la de los setenta, y aquellas formas de representación ya no la expresan, aunque sus establishments culturales sigan aferrados a ellas. Para bien o para mal, Argentina y Latinoamérica hoy forman parte de un mundo globalizado. El sincretismo cultural que se nutre de raíces tan heterogéneas que van desde la propia tradición cultural e histórica hasta el uso cotidiano y constante de los medios electrónicos de comunicación masiva es la característica más saliente de Latinoamérica hoy. Esto no sólo se refleja en las tendencias del consumo y la producción cultural. Hasta el lenguaje cotidiano, poblado de neologismos anglos, refleja esta nueva realidad.

Simultáneamente nuestras sociedades se hallan cada vez más empobrecidas como consecuencia del nuevo orden mundial. Este empobrecimiento no es sólo económico, también es cultural. Por ende, afecta al nivel de reflexión que pueden lograr sobre sí mismas y en su producción cultural. Si a este cuadro le sumamos la estandarización del relato cinematográfico que produce la invasión del mainstream americano ejerciendo casi una «dictadura» del modo de narrar, la posibilidad de una reflexión honda que cale en el público se siente cada vez más lejana.

Sin embargo, la generación de un público propio es el único modo de garantizar la supervivencia de los cines nacionales, más aún en el caso de una cinematografía periférica como la argentina.

A partir de la década de los noventa y de modo espontáneo, cineastas de Latinoamérica comenzaron a buscar cuál es la forma de representar a esta nueva realidad. Seguramente ninguno de ellos tenía conciencia de que estaba realizando esta búsqueda, pero es la impronta más tangible de sus películas. También tienen en común su orfandad de los establishments culturales, aunque a la vez generan nuevas y potentes relaciones con las jóvenes audiencias de sus países. Me siento parte de este grupo de cineastas. Embarcado en la misma búsqueda a ciegas, padeciendo similares dificultades para poder realizar nuestras películas, y con la misma pasión por la dimensión de la aventura.

Ya sea desde el cine, desde la literatura, desde el teatro, somos los continuadores de aquellos primeros hombres que al regresar de la cacería se reunían alrededor del fuego y se contaban historias para convocar el sueño, para expulsar temores, para buscar respuestas, para cristalizar interrogantes... Y seguramente igual que aquellos primeros contadores de historias, seguimos preguntándonos cuáles son las historias que debemos contar. Y a quién se las contamos.

Posiblemente sea la suma de las distintas historias la que nos ayude a entender lo que ocurre a nuestro alrededor, lo que nos pasa a nosotros mismos y al futuro que se avecina. Desde un sitio totalmente distinto del de los economistas, los historiadores y los sociólogos, esta suma de historias (reales o ficticias) construye un presente que tiene que ver con los temores, con las fantasías, y con los sueños de nuestro tiempo.

En su ensayo El escritor argentino y la tradición, Borges nos llama a «ensayar todos los temas», lo cual para nosotros supone practicar todos los géneros: del policial a la ciencia-ficción, de la comedia romántica a la épica. Pero al mismo tiempo dice algo más: «Todo lo que hagamos con felicidad los escritores argentinos pertenecerá a la tradición argentina». Ahí está la clave, creo yo: no vivir nuestra circunstancia como fatalidad -que ya lo es en medida tan grande- sino como posibilidad creativa.

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Caricatura / «Luchadoras», viñetas que gritan contra los crímenes de Ciudad Juárez

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Viñeta del cómic 'Luchadoras'- PEGGY ADAM

C iudad Juárez, Chihhuahua.8 de diciembre 2009. (RanchoNEWS).- Para denunciar la impunidad de centenares de crímenes que aún están sin resolver en Ciudad Juárez, la artista francesa Peggy Adam ha recurrido a las viñetas de Luchadoras, un cómic que da voz a centenares de mujeres torturadas, violadas, secuestradas o asesinadas en la urbe mexicana. La inseguridad, el miedo, la desesperación de las familias y las constantes amenazas que sufren las madres de las víctimas que reclaman justicia son sólo una parte del drama que retrata Peggy Adam en esta novela gráfica de menos de cien páginas que es fruto de «la conmoción» que sufrió la autora al conocer algunos testimonios. Una entrega de EFE:

«La realidad demostró ser mucho peor de lo que yo pensaba», afirma a Efe la autora, que se acercó a la trágica situación que se vive en Ciudad Juárez a través de un artículo de la edición suiza de la revisa de Amnistía Internacional, que califica de «epidemia» el drama y que denuncia la impunidad de centenares de feminicidios. Desde 1993, más de 500 mujeres han sido asesinadas en Ciudad Juárez, muchas de ellas a manos de sus parejas. La corrupción, la obstrucción de la justicia o la destrucción de pruebas ha impedido el esclarecimiento de muchos de estos crímenes cometidos en la ciudad más violenta del país.

«Una ciudad minada por los carteles de droga no puede ser una ciudad de derecho. Atacan a los representantes del orden, a los abogados de las familias, a las familias. Hay incluso policías implicados en el tráfico de drogas y en las violaciones. ¿Cómo se va a hacer justicia en esas condiciones, cuando la corrupción alcanza los niveles más elevados?», exclama Adam.

Aunque Luchadoras (Sins Entido) es la primera obra de Peggy Adam que se publica en España, sus dibujos han viajado por toda Francia, donde la artista aborda temas de actualidad en diferentes medios de comunicación, colabora en publicaciones infantiles y donde se han editado otros de sus cómics, sobre la posición de la mujer en la sociedad francesa.

Un trabajo que nace de su insaciable curiosidad y que sin duda está marcado por esta máxima: «Cuando algo me conmueve, tengo que hablar de ello». Y lo cuenta a través del cómic porque es el medio en el que mejor sabe hacerlo y porque considera que «está aceptado como un arte en sí mismo, que se ha abierto a todos los públicos» y que, en opinión de la autora, «está al mismo nivel que el cine o la literatura». Adam cree que, a diferencia de hace un par de décadas, el cómic «ya no está sistemáticamente asociado al humor», sino que «es un arte en su totalidad», con multitud de géneros -documental, aventuras, autobiográfico, ficción, dramático o cómico- y que «por algo está denominado noveno arte». La sencillez de unos trazos en blanco y negro llena de luces y sombras el retrato gráfico de estas mujeres, Luchadoras que están en el lugar de los hechos y que, afirma Adam, «intentan hacer justicia».

La francesa confiesa que, a través de las investigaciones sobre las desaparecidas en la ciudad fronteriza, que se ha convertido en un símbolo de la violencia de género a nivel mundial, descubrió que en Francia «cada tres días una mujer es víctima de violencia de género» y lamenta que, aunque estos crímenes «sí estén resueltos» las cifras sean «escalofriantes». Con la esperanza de concienciar más a la gente, Peggy Adam grita en estas viñetas contra el horror que sufre esta ciudad de un millón y medio de habitantes que este año ya se ha cobrado la vida de más de 2.000 personas y que «afecta esencialmente a las mujeres». «Para luchar contra el machismo y la misoginia hace falta que las mentalidades cambien», concluye.

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Cartelera / Ciudad Juárez: Danza para Juárez

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Artes Plásticas / Entrevista a Eva Lootz

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La escultora- (Foto:BERNARDO PÉREZ)

C iudad Juárez, Chihuahua. 27 de noviembre 2009. (RanchoNEWS).- Elige sin dudar el japonés que frecuenta desde hace años. Aunque no sabría decir cuándo descubrió la comida nipona y sus rituales. Pide sashi-tei, un combinado de pescado, arroz y sopa de miso. De bebida, té verde. Un menú que conoce bien: Eva Lootz (Viena, 1940) parece previsible en sus rutinas, aun siendo una artista poco convencional. Viéndola usar los palillos con naturalidad, despojando al hecho de exotismo, se entiende que emprenda aventuras artísticas insospechadas sin que le arredre su dificultad. Esculturas de agua o Nieve sobre nieve, las últimas exposiciones, reflejan su apuesta por la tecnología con mensaje incorporado. Centrada en la escultura, en sus inicios realizó dibujos y grabados. Ahora ha dado un paso más: «Sólo hago obra en tres dimensiones», dice. Y el lenguaje tiene cada vez más peso. Una entrevista de INMACULADA DE LA FUENTE para EL País:

La escultora lleva cinco años estudiando el agua. «Es tentador reflejar la transformación de un tramo de un río y convertirlo en escultura. Convertir el tiempo en cuerpo», declara. El primero ha sido el Guadalquivir, pero explorará otros más. «Me gusta ver qué pasa con las cosas. Y siento inclinación por los materiales raros. El mercurio, el hielo seco, la arena fina de sílice que fluye como el agua...».

Come con traquilidad, centrada en la conversación. Mientras los granos de arroz desaparecen del cuenco evoca el órdago que lanzó hace un año a un amigo, académico de Bellas Artes. Él le invitó a ingresar en la Academia argumentado que sólo había dos mujeres y que sería bueno que empezara a haber más. Lootz replicó que por qué no entraban tres o cuatro ya en vez de ese goteo. «Si quieren remediarlo, lo tienen fácil». Perdió así la oportunidad. A Lootz no le importa, pero piensa que en artes plásticas «hay ahora un elenco de mujeres con mucho peso». Y cita a Susana Solano, Cristina Iglesias, Soledad Sevilla... Lootz acaba de recibir el premio Casa de la Moneda, otorgado a Eduardo Arroyo, Antonio López o Andreu Alfaro, entre otros. Cuando supo que se lo habían concedido cayó en la cuenta de que era la segunda mujer que lo ganaba (tras Carmen Laffon). ¿No hay más?, pensó.

Lootz nació en la Viena anexionada por los nazis y creció bajo la influencia soviética. Estaba aún en el instituto cuando se fueron los rusos. Estudió bellas artes y dirección de cine, viajó por Europa con Adolfo Schlosser, entonces su pareja y se afincaron en España en 1965, con los últimos coletazos del franquismo. Se integraron en el grupo de artistas jóvenes de la galería Buades. Lootz empezó a trabajar con lonas, parafina, látex. En 1983 expuso una pieza con 500 kilos de mercurio facilitado por Minas de Almadén. Luego trabajó con hielo seco. «Me gusta sentir la tierra. Tengo una afinidad especial por la materia», confiesa.

A la vez que avanzaba como creadora descubrió la invisibilidad de la mujer en el arte. «Fue un doble camino.«Hay cierto paralelismo entre el trato que se da a la naturaleza y a la mujer. Al igual que se acude a una cantera para extraer materias primas, la mujer no ha tenido más valor durante siglos que ser la gran reproductora. No es algo discursivo, sino implícito», dice. «Han cambiado mucho las cosas, pero la diferencia entre hombres y mujeres es aún enorme». Envidia a los artistas varones dedicados sólo a su obra gracias a que «alguien» les soluciona lo cotidiano. Un privilegio del que carecen aún muchas creadoras.

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Noticias / México: Otorgan a Eduardo Antonio Parra el Premio de Narrativa Antonin Artaud 2009

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El escritor. (Foto: Octavio Hoyos)

C iudad Juárez, Chihuahua. 26 de noviembre 2009. (RanchoNEWS).- El escritor Eduardo Antonio Parra fue galardonado con el Premio de Narrativa Antonin Artaud 2009 por su libro de cuentos Sombras detrás de la ventana (Era), por demostrar una maestría narrativa excepcional, la creación de un mundo propio y una penetración aguda en situaciones humanas extrañas, consideró el jurado. Una nota de Alondra Flores para La Jornada:

El escritor guanajuatense, radicado en Monterrey, ha sido comparado con Juan Rulfo y José Revueltas por retomar en sus narraciones el realismo mexicano en forma renovada e intensa, donde la violencia, la prostitución, el tráfico de drogas, el norte, los migrantes, el campo, lo urbano, la tristeza y desesperanza son recurrentes. El libro ganador compila sus obras Los límites de la noche (1996), Tierra de nadie (1999), Nadie los vio salir (2001) y Parábolas del silencio (2007).

El premio surgió por iniciativa del chef francés Olivier, como una acción de mecenazgo para galadornar un libro de narrativa publicado en México, dándole el nombre del escritor francés que mantuvo un fuerte vínculo con nuestro país y que plasmó en sus textos reunidos en México y viaje al país de los tarahumaras.

Parra, también ganador del premio Juan Rulfo 2000, recibirá 70 mil pesos, una escultura de los artistas Arturo Guerrero y Marisa Lara, una pluma de colección Montblanc y la invitación para participar en el Festival de Culturas Latinoamericanas de Biarritz.

Entre los integrantes del jurado estuvieron Margo Glantz, Alberto Ruy Sánchez, Philippe Olle Laprune, director de la Casa Refugio Citlaltépetl, y Guadalupe Nettel, ganadora del certamen en 2008.

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Poesía / La presentación del «Calculo equivocado» de Noé Jitrik

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«El libro es como una lista que parece desenrollarse, un rollo antiguo que se despliega», dijo Monteleone. (Foto: Sandra Cartasso)

C iudad Juárez, Chihuahua. 26 de noviembre 2009. (RanchoNEWS).- Junto con el crítico Jorge Monteleone y la actriz Cristina Banegas, el escritor y poeta repasó las particularidades de su nueva obra con un espíritu lúdico, que no impidió ir hilando un análisis de cómo «la poesía se hace con una suma de fugas». Una nota de Silvina Friera para Página/12:

La retórica de los agradecimientos abunda en las presentaciones de libros, especialmente cuando se trata de un libro de poesía como Cálculo equivocado (Fondo de Cultura Económica), los poemas que Noé Jitrik escribió durante los últimos veinticinco años, entre 1983 y 2008, prologados por Rodolfo Alonso. «Hay que agradecer y no ser ingrato, pero uno se pone solemne», se queja el narrador, poeta y crítico, secundado por el crítico Jorge Monteleone y la actriz Cristina Banegas. «Les rehúyo a las presentaciones porque no puedo dejar de recordar una frase de Gonzalo Celorio que dice que en la cárcel y en las presentaciones se ven los amigos.» Las carcajadas de los amigos y amigas, de la primera a la última fila del auditorio de la Embajada de México, recuerda los versos finales de «Felicidad», uno de los poemas de Jitrik, un chiste a la manera de Buster Keaton: «(...) con una risa/ íntima y fuerte/ no un bramido/ ni un estruendo/ sino el breve/ y fuerte/ escandido/ de la felicidad/ de todo el aire/ de la risa/ feliz de él que ríe/ todavía.

Como si estuvieran tomando un cafecito por el barrio de Belgrano, Jitrik y Monteleone intercambian figuritas. «Es una especie de diario abierto frente y contra el tiempo», señala el crítico, y lee para ejemplificar uno de los poemas, «Una roca»: «Y si el tiempo fuera/ como decía mi padre/ una tarea/ y no/ el torno que lima/ las aristas/ el potro que doma/ la rebeldía/ la roca que no/ deja escalar/ el rostro que se aleja/ sin remedio/ en las estaciones/ con cada movimiento/ del tren». Monteleone esgrime que la poesía está viviendo con el tiempo; su continuidad sería el modo en que el tiempo se transforma en una carga. «Todo el libro es como una lista que parece desenrollarse, como un rollo antiguo que se despliega. La tarea del tiempo en la poesía sería esta forma que se despliega, y ese es uno de los aspectos de esta continuidad, su forma en la página.» Sobre el ritmo de los poemas, el crítico subraya que la elección rítmica no responde a las formas tradicionales del verso castellano, sino más bien al ritmo que surge de la sintaxis. «El corte de verso coincide casi siempre con la cláusula sintáctica. El ritmo corta en la estructura oracional. Esta musicalidad aparece gobernada por el ritmo de la sintaxis. Esta continuidad de las formas da la idea del continuo como tarea frente al tiempo.»

Jitrik, con su voz que declina casi en un susurro apenas audible, aclara que tendría que pensar cómo hizo esos poemas porque su memoria flaquea. «Nunca puedo recordar cómo fue que hice lo que hice. Habría que pensar en una unidad interna, en que uno posee cierta respiración que ayuda no sólo a vivir, a caminar, a desplazarse, sino a imaginar. Al mismo tiempo ese imaginario es despertado con ciertos estímulos que de pronto ponen a disposición el mecanismo de los poemas. El punto de partida es la respiración, que es fuente de ritmo; y el ritmo incide en la formación del imaginario, que encuentra de pronto un estímulo en el exterior que le permite organizar algo que, curiosamente, tiene un espíritu semejante a las otras cosas que se van escribiendo», explica el escritor. «Esto culminó en un libro que se llama El tango del filósofo, que es la punta de un ovillo, que puede ser una ocurrencia cualquiera pescada al azar; por ejemplo, alguien que habla del placer. Entonces la palabra placer está en la punta del ovillo y empiezo a proyectar el imaginario y hago una serie de veinte poemas sobre el placer. A partir de este comienzo se van dando formas, que al mismo tiempo se contraponen a la idea de la poesía lírica como exaltación. Si hay algo de lirismo, está en lo que surge de la sintaxis.»

Monteleone siempre recoge el guante que le lanza, amistosamente, Jitrik. «Una pregunta de lugar común es cómo un crítico escribe poesía; esta cuestión de crítica y poesía como lugares prohibidos, como si el crítico se fuera de putas, es una falsa división de trabajo. Hay una especie de compulsión argumentativa, una escritura autorreflexiva sobre la literatura desde la literatura, pero que se cruza con un cuerpo en el tiempo», reflexiona el crítico. «El lirismo de lo sentimental está modificado por la presencia de lo corporal. Por eso la escritura está todo el tiempo argumentando, incluso como una forma de protesta. Los poemas siempre rondan un tema, un motivo, un aspecto, con variaciones conjeturales que dan la impresión de que pueden ser incesantes.» En el libro hay una serie de poemas sobre distintas partes del cuerpo: la mano, el pie, la oreja, el ojo, la piel, la boca, los riñones. «Hay poemas sobre objetos, la memoria, el gusto, la respiración, que desembocan en una especie de ‘objetivismo laico’, basado menos en la percepción que en lo emocional», pondera Monteleone. «Estos objetos a veces rozan el humorismo sobre el lugar común, sobre nociones adquiridas a la manera de la poesía de Parra.» A mano tiene, para demostrar ese humorismo, un poema: «El pelo/ puede estar o no estar/ pero es mejor/ que esté/ donde debe estar/ y decimos estar/ y no ser/ porque su existencia/ es transitoria/ va y viene/ no se sabe por qué/».

Para Jitrik son como chistes a la manera de Buster Keaton, un chiste serio, «como si fuera absolutamente normal escribir en un poema algo sobre los prepucios y suponer que todos los prepucios que han sido arrancados se coaligan para hacer una gran revolución». El asunto reside en cómo leer poesía, en qué momento, de qué modo. «Yo leo poesía yendo de acá para allá, sin un estado de espíritu especial, pero tratando de detenerme en el poema que se me presenta, tratando de pensar en qué hay más allá de lo que el poema mismo me está diciendo. La lectura de poesía exige una disposición muy concreta; no se puede entender a primera vista. La poesía es otra cosa, pero no diría que es una experiencia mística. No todo el mundo es San Juan de la Cruz, pero todo el mundo es susceptible de plantearse un modo de lectura que exija mirar segundos, terceros y cuartos planos.» El escritor propone dilucidar si esa manera de leer poesía es reversible. «Estoy frente a un tribunal, es la única posibilidad que tengo porque después de esto me retiraré modestamente a casa y me dedicaré a pensar en los poemas que no escribí», bromea el autor de Cálculo equivocado, que pierde el hilo de lo que iba a decir.

«El olvido es una de las formas superiores de la poesía», se excusa Jitrik por «la perversa memoria que todo lo olvida». Sin embargo, repentinamente el recuerdo aparece bajo la forma de la cita. «Ezra Pound decía que la poesía es lo que queda cuando uno se ha olvidado de todos los poemas. Algo queda –coincide–; uno piensa siempre que es el depositario de ese algo que queda. Escribir es una tarea que tiene un sentido no declarado. Y se hace, por suerte, porque al que le toca le permite vivir de una manera diferente.» Monteleone observa que hay una forma de saber que se opone a los límites corporales porque no hay un pensamiento de la trascendencia. «Si bien no hay una apelación a lo sagrado, sí hay una apelación a la constante producción de sentido», explica el crítico. «Uno de los grandes temas del libro es la situación de esta conciencia arraigada en el cuerpo, que se somete con una lucidez extrema a los límites físicos, psíquicos, temporales. Uno de los motivos que aparece al comienzo es el despertar: el sujeto que despierta, que toma conciencia de lo real, como si empezara a constatar el mundo y a cerciorarse de que lo real es infinitamente interpretable dentro de los límites del cuerpo. Esta conciencia aparece asediada por los límites del tiempo, los límites entre el ser y el saber, la inadecuación entre los límites y lo preciso.»

Monteleone afirma que el poeta escribe porque calcula mal, «porque ser y saber sobre el ser no coinciden». Jitrik cuenta que la serie de poemas sobre el despertar caracteriza todos sus libros, pero de maneras diferentes. «Sería en cierto sentido una poesía existencialista, no del existencialismo sartreano, sino heideggeriano, pero no lo sé», duda el escritor. «La idea de los límites tiene que ver con hasta dónde llegamos con la palabra. Siempre nos quedamos cortos, y no por falta de vocabulario; vocabulario tenemos e incluso pensamos que somos eficaces hablando porque expresamos ciertas ideas, seguimos ciertas convenciones. La palabra en sí misma es una tentativa, no es un logro. Las palabras entrañan una falta, lo que no se puede alcanzar. La poesía y la literatura están construidas sobre esas faltas, aunque siempre se lo ve de la manera opuesta: la poesía y la literatura como logro, como acierto. Pero no hay acierto en el uso de las palabras», compara el escritor.

«La palabra es fugitiva; la literatura y la poesía se hacen con esas fugas, con una suma de fugas. Lo curioso es que esa suma de fugas organiza algo que avanza sobre el sentido de esa falta. Y el sentido de esa falta, en definitiva, es el sentido de la vida misma, que no es ir hacia lo que poseemos sino hacia lo que nos falta. La poesía o la literatura es esa búsqueda del sentido de lo que falta en la palabra misma.» El cerebro, que a veces sirve para pensar, como se lee en uno de los poemas, exige una tregua. La voz de Banegas, que paladea los poemas, se conjuga con el lirismo personal de este gran escritor argentino. Como apunta Alonso en el prólogo, la poesía se aparta de los soberbios, según René Ménard. Por eso nunca abandonó a Jitrik.

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Visor Fronterizo / Jaime Moreno Valenzuela

La primera nevada de 2009

Ciudad Juárez, Chihuahua. 30 de noviembre 2009. (RanchoNEWS).- La nevada llegó temprano, en el Rancho así se vio.

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Fotografía / Lou Reed, icono musical, ya lleva publicados cuatro libros de fotografía.

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El único ser humano que se ve en ellas es su esposa, la artista Laurie Anderson.

C iudad Juárez, Chihuahua. 28 de noviembre 2009. (RanchoNEWS).- Puede que Lou Reed sea una leyenda, el fundador de The Velvet Underground, miembro del Salón de la Fama del Rock and Roll, un tipo tan cool que los fans se desploman en el reflejo de sus anteojos espejados. Pero tiene un alter ego, una figura solitaria, un hombre que se refugia tranquilamente en la naturaleza para observar la luz y tomar fotografías elegantes y románticas, bien lejanas a su vida en el corazón de Nueva York. El proceso no podría ser más diferente, pero hay paralelos entre su música y sus fotografías. Armar un libro de fotos es, según Reed, como poner en secuencia un CD. Es un modo de trabajo intuitivo e indefinible en el que las cosas no suceden por planes o ideas ordenadas de antemano sino porque se sienten bien. El encara la fotografía con las cualidades de un músico. «La respuesta es emocional. Eso es todo lo que quiero; las saco con emoción y las ensamblo con emoción, eso da como resultado emoción», dice. Por Hannah Duguid de The Independent de Gran Bretaña. Especial para Página/12:

Romanticism es el tercer libro de fotografías de Reed. Es una serie de paisajes, enteramente en blanco y negro. La inspiración para el título la obtuvo del pintor romántico del siglo XIX Caspar David Friedrich. «Habíamos alineado las fotos que nos gustaban y me mostraron una pintura suya. Entonces dije que era eso, que era ‘romanticismo’. No quiero decir que yo pienso que soy él, pero fue el disparador para la idea.» Como en las pinturas de Friedrich, hay una cualidad etérea en el trabajo de Reed, un sentido de lo divino en la naturaleza. La luz en las fotos de Reed tiene un tono plateado, que crea una sensación de fantasía. No parecen ser de este mundo. «Son imágenes muy tridimensionales. Las tengo colgadas en mi pared. Me enloquece esa cualidad de plateado traslúcido. Realmente me encanta», dice.

Muy raramente hay una marca humana en la escena; en su mayor parte, sus fotografías son de la naturaleza intocada: bosques a la orilla del mar, una capa de gruesa bruma cubriendo la tierra. Las ramas de un árbol están repletas de frutas, otro árbol está seco; el tronco se desintegra astillándose. «Nunca he visto un árbol que no sea elegante», asegura Reed. Sólo una foto, cerca del final del libro, muestra una forma humana. Es una figura gris andrógina, con pelo corto, de espaldas a la cámara y contorneada de luz. La luz ondea sobre la parte superior de la escena, sugiriendo agua, y el resto es una masa de gris. La figura es la esposa de Reed, la artista y música Laurie Anderson. Se casaron el año pasado y la única línea de texto en el libro está dedicada a ella: «Estas son fotos que saqué alrededor del mundo dedicadas a mi amor y pasión por mi esposa, Laurie Anderson».

Reed da sólo explicaciones lacónicas sobre sus fotografías. Hay una sola foto de botes en el libro; es una llamativa anomalía. ¿Por qué está en la colección? «Los botes. Están ahí porque estaban ahí. No importa. Es todo lo mismo. Sólo fue cuestión de la luz y del momento. La luz era perfecta. Sucedió que había botes, pero me hubiera gustado que no estuvieran ahí.» No entrega información específica acerca de dónde o cuándo fueron hechas las tomas. El libro es puramente de imágenes –sin textos–, todas ellas sacadas en los últimos dos años y en lugares muy diferentes: Escocia, Dinamarca, España, Roma, China. Ninguna foto tiene un título o algún punto de referencia. Es una decisión valiente con la que no cualquier fotógrafo se sale con la suya, pero, vamos, es Lou Reed: un dios puede ignorar las necesidades de los mortales. Y él tiene sus razones: «No hay nada que decir. Una imagen vale más que mil palabras, para citar al lugar común. ¿Qué voy a decir? ¿‘Ahí tienen un árbol durante una tormenta en enero’? La respuesta es emocional. Eso es todo lo que quiero».

Reed toma fotos desde los ‘60, cuando tocaba con The Velvet Underground y estaba cerca de Andy Warhol. El músico desarrolló su estilo fotográfico y aprendió mirando a los que tenía alrededor. A lo largo de los años, fue influido por algunos de los talentos más creativos que existen, personas que conoció y con las que pasó algún tiempo. «Me gusta reinventar la rueda. Me gusta descubrir algo por mí mismo en lugar de que me lo expliquen. Wim Wenders, hay algo que me mostró que me resultó útil. Billy Linich, que se llama a sí mismo Billy Name, era parte de la Factory de Warhol, sus fotos estaban muy contrastadas. Y hubo cosas que hacía Andy Warhol. Y Larry Clark, todavía recuerdo la primera vez que vi Tulsa», suelta.

Fuera de la música, Reed tiene algo de amateur dotado y es una cualidad atractiva. No ha olvidado sus raíces y a la gente que conoció cuando era un chico. Hace poco hizo una película acerca de su prima Shirley, que tiene 100 años. Ella vive en Nueva York, en el mismo barrio donde estuvo durante los últimos 70 años. Explica Reed: «Ella es una persona excepcional. Quería charlar con ella en cámara acerca de cosas que sólo ella podía conocer: cómo era estar en Polonia durante las dos guerras mundiales, ser sacada en secreto de Canadá, o trabajar como costurera en el sindicato. Lo que tenía para decir es notable. Hice una banda sonora para la película con mi banda Metal Machine Trio». Es un contraste interesante el de su centenaria prima Shirley y el Metal Machine Trio, y es una vergüenza que todavía no haya encontrado un lugar para exhibirlo.

El año pasado, fue el diseñador invitado para el número de Invierno 2008-2009 de All-Story, la revista literaria fundada por Francis Ford Coppola. Los colaboradores han incluido a Rachel Cusk y Woody Allen, mientras que Zaha Hadid y Guillermo del Toro también han diseñado un número. Para la tapa, Reed usó una de sus fotos de paisajes, en color. Es una imagen que no pudo usar en su libro y que es totalmente romántica: una luz de un dorado débil cae sobre un escenario de bosque veraniego. La luz tiene una cualidad particular que capturó usando una técnica que involucra desarmar la cámara, aunque no explica con precisión cómo se hace. «Es instinto atenuado con técnica. Llevo mucho tiempo fotografiando. Toda mi vida anduve registrando cosas, jugando. Toda mi vida esperé por algo, que terminó siendo lo digital. Eso finalmente apareció. Podía tomar la foto cien veces, hasta sacarla con la luz de modo correcto, en lugar de una o dos tomas. Adoro eso. No uso photoshop. Todo está en la cámara y eso se debe a que es digital», asegura.

Aunque él lo niegue, Reed es un nerd de las cámaras. Puede citar nombres y modelos con un conocimiento profundo: «Tengo una Leica de formato medio, sólo el cuerpo cuesta 24 mil dólares. Estuve esperando mucho tiempo por la M9. Amo esta cámara. Amo el hecho de que sea digital. Amo las Alpa, son una compañía pequeña, deberían ver su página web. Las uso con lentes Schneider. Y la Hasselblad de formato medio que va con lentes Fuji. ¿Por qué algunos lentes son tanto mejores que otros? ¿Qué hay en el modo en que pulen el cristal?”. Es difícil sacarlo del tema. «No soy un obsesivo», responde. «Es como con las guitarras».

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